2026年4月20日至26日，第64届米兰设计周如期而至，将整座伦巴第首府化为一座无边界的巨型设计实验室。今年设计周的主题是“Be the Project（成为项目）”。这并非一句空洞的口号，而是一次设计思路的深刻转变，它将设计的关注点从“成品”拉回到“人”，从结果的展示转向过程的参与，从被观看的物件转化为可被体验的存在。每位走进米兰设计周的人，不仅是观众，更是共同创作者。这正是“Be the Project”的核心诉求，让人回到中心，成为变化的诠释者和驱动者。最能体现这一主题精神的，莫过于散布在全城的城市装置艺术作品。从丽塔宫的巴洛克庭院到布雷拉画廊的新古典主义拱廊，从米兰大学的历史礼堂到参议院宫的宫廷院落，从艺术花园的露天草坪到前巴吉奥军事医院的废弃病房，建于不同年代的建筑空间被临时征用与激活，形成了一张跨越历史与现代、精致与粗砺、室内与户外的体验网络。这些装置早已超越“展示”的边界，成为邀请公众参与、互动乃至重构空间本身的文化场域。它们模糊了观察与体验、空间与叙事、设计与社会之间的界限，使整座米兰城市化为一个动态的、始终处于生成之中的“设计现场”。
在丽塔宫（Palazzo Litta），那座17世纪巴洛克风格的Cortile d’Onore荣誉庭院中，黎巴嫩裔建筑师Lina Ghotmeh带来了她在意大利的首个户外场地特定装置《运动中的蜕变》（Metamorphosis in Motion），这也是MoscaPartners Variations 2026年度群展的核心之作。一座高饱和粉红色迷宫在此拔地而起，阶梯、平台与隔断形成一个连续而开放的场域，彻底改变了人们对巴洛克建筑的既有感知。此装置没有固定观赏路径，观众可自由穿梭、停留与观察，使空间在行走与互动中持续被重构。Ghotmeh创造的不是一个静态的物体，而是一系列路径与停顿的序列，通过人的运动与在场感激活了整个庭院。她将设计视为复杂的网络，而非线性的产物，《运动中的蜕变》恰恰体现了这一观念，空间不是在图纸上终结的，而是在使用中不断生成的。装置以“考古学的未来”方法为根基，将记忆、材料与环境层层叠加，形成一个动态的系统，访客在其中成为主动参与者而非旁观者。强烈粉色与历史建筑的石材形成鲜明对比，不仅营造出梦境般的氛围，更体现出一种温暖且以人为核心的空间关怀。Ghotmeh提出：“蜕变不是形式上的姿态，而是一种每一步都在展开的集体行为。”可以说，这座迷宫的设计本身就是主题的精准投射，当观众走进迷宫，他们就不再是“看展览的人”，他们正在成为项目本身。
在米兰参议院宫（Palazzo del Senato）的历史庭院中，汽车品牌Škoda Auto与西班牙建筑师、数字艺术家Ricardo Orts Ulises合作呈现了《噢，这就是EpiQ！》（Ooooh, that’s EpiQ！），一组如同橡皮泥般膨胀的彩色充气雕塑群落，在严肃的新古典主义建筑空间中创造了一场沉浸式的集体体验。装置围绕Škoda全新纯电跨界车型Epiq展开，但这种展示远非传统意义上的汽车陈列，游乐场式的充气雕塑不仅吸引了儿童的参与，更呼唤成人社群在此放慢脚步、休憩与社交。该装置与现有建筑的刚性几何结构形成对话，构建了一个响应式的形态场域，这些形态不断变化，强调灵活性和趣味性作为空间驱动力。该装置的空间策略细致入微，场域被划分为休憩区、数位互动区与开放式区域，白天可融入瑜伽课程与咖啡服务，夜间则通过灯光转换氛围，呈现不同的感官体验。装置的最为独特之处在于它尝试消解品牌与观众之间的隔阂，没有了汽车展厅惯用的玻璃隔断与警戒线，充气雕塑用柔软的姿态邀请人们触摸、攀爬，甚至简单地在其中坐卧发呆。这一理念完全契合Škoda试图传递的品牌语言，Epiq 代表着一种全新的态度，即灵活、年轻，并且专为与城市节奏同频共振而设计。此作品获得了2026年米兰设计大奖的公众票选最高奖项。这恰恰是对“Be the Project”主题的一次生动实践，设计不再由品牌单向地“投放”给观众，而是创造出一个开放的框架，让观众在其中自主书写自己的体验路径。当儿童在充气造型间追逐嬉戏，当陌生人在粉色灯光下的座椅上闲聊，一种以人为中心、以参与为动力的设计活力便自然流动开来。
在米兰艺术花园（Giardino delle Arti）的明媚阳光下，北欧品牌ARKET携手艺术家Laila Gohar呈现了公共装置《ARKET旋转木马》（The ARKET Carousel）。其原型是一座18世纪末德国威斯巴登的古董旋转木马，经由Degli Innocenti家族世代传承。艺术家将传统骑乘造型替换为巨型蔬果雕塑，三米高的苹果、梨子、紫甘蓝与茄子等，以简洁剖面处理为座位，鲜艳色彩得以保留。装置缓缓旋转，观众被邀请坐上座椅，抱着巨型蔬果随木马转动，以从未想过的方式与设计亲密互动。Laila Gohar表示：“我们想创造一个开放包容的环境，一个邀请人们参与其中，而不是让他们远远地观察的环境。”这一理念精准呼应了“Be the Project”主题，设计不再是成品，而是可进入、可乘坐、可分享的集体活动。当观众在巨型蔬果木马上欢笑时，设计作品便从“被观赏物”转化为公共生活中的“共事者”。旋转木马的循环运动隐喻着“项目（Project）”的动态属性，它不断回到起点，每一次旋转都重新邀请参与者书写当下。《ARKET旋转木马》以日常美学的放大与集体记忆的唤醒，展示了别样的参与路径。设计可以是欢愉的、属于每一个人的。当观众坐上蔬果座椅随音乐旋转时，不仅是在“使用”设计，更是在激活被荒诞比例唤醒的惊奇感。这件作品丰富了“Be the Project”的解读，成为项目，也意味着拥抱游戏的、放松的状态。在一个焦虑的时代，让设计重新学会玩耍，而玩耍的魔力，有时就藏在一颗巨大的无花果里。
在布雷拉画廊（Pinacoteca di Brera）的新古典主义拱廊下，艺术家Sara Ricciardi创作了装置《血清素：幸福的化学》（Serotonin: The Chemistry of Happiness）。巨大的充气球体呈现蓝粉渐变色彩，悬浮于石柱与拱顶之间，表面纹理仿佛在呼吸。Ricciardi以大脑中的神经递质血清素为隐喻，将无形分子具象化为彩色球体，充气结构以节律性的伸缩运动，营造出一片柔软而富有生命感的空间环境，能够对人的动作与在场做出即时响应，它们与厚重的大理石、斑驳的壁画形成柔软对话。作品通过重复的形态语言、柔和的材质质感与精心的光影布置，构建出一个连续的感知场域，在布雷拉凉廊的历史语境中，将幸福呈现为一种可被体验的物理、空间与时间状态。在米兰设计周的信息轰炸中，这件作品没有产品要推销，它只是一个让人停下来、什么都不做的理由。Ricciardi认为，城市中最稀缺的设计资源是允许无目的的停顿。这种停顿本身就是“Be the Project”的独特形态，当你不再拍照打卡，而是单纯地作为感知主体存在，便成为情感项目的共创者。你的呼吸、凝视与体内上升的血清素，共同完成了装置的最后一道工序。一位观众写道：“我坐了二十分钟，什么都没想，然后意识到自己笑了。”这正是设计不必刺激欲望，也可以疗愈心灵的意义。《血清素：幸福的化学》以其极度的克制与温柔，向整个设计界提出了一个值得深思的问题，我们能否将疗愈而非刺激作为设计的第一推动力？这件作品表明，“Be the Project”不仅意味着行动、参与和改变，也意味着停驻、感知与接纳。当观众在气球之下放空自己、恢复情感的呼吸节奏时，他们也成了设计的一部分，以情绪在场的形式，安静而无比真实地存在着。
在Alcova前巴吉奥军事医院（Baggio Military Hospital）的废弃病房中，日内瓦高等艺术设计学院的学生集体La Dalle联合艺术家Matilde Arletti呈现了寓言式装置《老鼠的盛宴》（Feast for Rats）。现场被布置成一间微缩“宴会厅”，金属丝椅子上顶着巨型种子面包，椅子所围绕的长桌上铺满谷物、葵花籽与燕麦饼干，这些均为老鼠最爱的食物。餐桌中央摆放着袖珍烛台和餐巾，仿佛等待一群啮齿类贵宾入席。作品紧邻繁忙的小吃区，人类盛宴的残渣与为老鼠预备的盛宴仅一墙之隔。策展团队用红外摄像头试图记录老鼠夜间造访，然而直到展览结束，没有一只老鼠“赏光”。这一缺席成为最有力的注脚。城市边缘生命早已在人类视线之外构建自己的生活系统，它们不需要人类的剧场。《老鼠的盛宴》的真正观众，是那些先是发笑、继而沉默的人类。作品尖锐地回应了“Be the Project”谁是真正的项目参与者的问题，当我们大谈“以人为中心的设计”时，是否意识到那些被下水道、垃圾系统不断驱逐的非人生命，也应当被纳入设计的伦理考量？《老鼠的盛宴》用一场没有客人的晚宴，抛出了一个无法回避的诘问：“Be the Project”中的“人”不应被狭隘理解。设计若要成为让世界变好的实践，就必须直面所有生命的生存权利，哪怕它们是最微小、最不被看见的那些。这场盛宴因此成为一份关于共生伦理的、沉默而有力的宣言。
在米兰大学主礼堂（Aula Magna）的恢宏空间中，MAD建筑事务所携手Canva呈现了沉浸式装置《万花筒》（Kaleido）。装置由高低错落、外覆半透明反光面板的立方体构成，形成层层递进的空间序列。灵感源于万花筒的视觉逻辑，彩色与透明的面板在灯光下不断折射与反射，将参观者包裹于光影流转的“色谱空间”中。体验动线划分为四个阶段：反思、行动、实践与分享，引导观众从视觉沉浸走向AI工具互动，在交流休憩区沉淀感悟，完成从观察到参与的完整旅程。《万花筒》以其精妙的结构隐喻，探讨人与技术的关系。MAD将万花筒“一个输入，生成无限输出”的逻辑应用于空间设计，这正是人工智能的核心特征。作品将这一逻辑转化为可步入、可触摸的空间体验，具象化为一个人人皆可参与的探索过程。这种物理化的转译，恰是对“Be the Project”主题的创新实践，它邀请每一位参观者亲身尝试，成为定义人与AI协作方式的设计师。《万花筒》以东方建筑师细腻的空间感，探讨了生成式AI普及时设计行为的变革。设计师的角色并非被取代，而是从传统创作者扩展为驾驭技术、激发想象的策展人。走进这片万花筒，每一位参与者都在“成为项目”的过程中，共同探索着由物理感知与数字智能交织而成的未来设计图景。
回望这六件装置，Lina Ghotmeh的粉红迷宫再探索空间与人的关系，Škoda的充气游乐场消弭品牌与公众的界限，ARKET的蔬果旋转木马唤醒日常的惊奇，Sara Ricciardi的悬浮气球为城市留出情感停顿的缝隙，Alcova的老鼠盛宴对设计伦理发出尖锐诘问，MAD与Canva的万花筒空间探讨人与AI的共创可能，它们共同勾勒出“Be the Project”的完整图景。设计不再被视为一件“完成品”的交付，而是一个始终在生成中、邀请所有人参与的项目。当设计不再试图给出完美答案，当设计师愿意将一部分主动权交还给空间、时间与使用者，我们才真正开始理解，设计之所以令人着迷，不是因为它创造了什么，而是因为它邀请我们成为其中的一部分。这份邀请，永远不会过期。